15
Tadasuke Kuwayama / Tadasky | "B-181
Estymacja:
250,000 zł - 350,000 zł
Sprzedane
270,000 zł
Aukcja na żywo
Sztuka Współczesna. Klasycy Awangardy po 1945
Wymiary
120 x 120 cm
Kategoria
Opis
akryl/płótno, 120 x 120 cm, sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: '47" x 47" | #B 181 | 1964 | Tadasky', na odwrociu nalepka z D. Wigmore Fine Art, Inc.
Opłaty:
- Do kwoty wylicytowanej doliczana jest opłata aukcyjna. Stanowi ona część końcowej ceny obiektu i wynosi 20%.
- Do kwoty wylicytowanej doliczona zostanie opłata z tytułu "droit de suite". Dla ceny wylicytowanej o równowartości do 50 000 EUR stawka opłaty wynosi 5%. Opłata ustalana jest przy zastosowaniu średniego kursu euro ogłoszonego przez NBP w dniu poprzedzającym dzień aukcji.
Prezentowana praca pochodzi z połowy lat 60. – okresu, w którym ukonstytuował się dojrzały styl Tadasky’ego – od zawsze interesowały go figury koncentryczne, pierwsze dynamiczne kompozycje z motywem koła powstały jeszcze w latach 50. w rodzinnej Japonii. Z czasem, wychodząc od form ekspresyjnych, doszedł do formy okręgu możliwie jak najbardziej klarownej pod względem technicznym. W założeniu artysty jego obrazy stanowią manifestację czystej formy – nie mają odnosić się do niczego innego poza sobą. Mimo spirytualnych konotacji – odniesień do formy mandali czy symboliki kręgu życia – Tadasky utrzymywał, że nie stoi za nimi żadna filozofia, teoria, religia czy ideologia, znaczenie mają dla niego jedynie czystość, prostota i piękno. Chociaż Tadasky uznawany jest za jednego z prekursorów zrodzonego w Stanach Zjednoczonych ruchu op-art, to jego twórczość, wyrosła na gruncie tradycyjnego rzemiosła, stanowi w rzeczywistości interesujące zderzenie kultury Wschodu i Zachodu.
W Japonii, w warsztacie ojca, Kuwayama zgłębiał tajniki„miyadaiku” – tradycyjnej techniki wznoszenia świątyń opartej na technicznej perfekcji i niepozbawionej kontemplacyjnego charakteru. Klasyczne kompozycje Tadasky’ego to barwne, koncentryczne kręgi. Artysta, używając tradycyjnych japońskich pędzli, nakłada cienką warstwę farby. Wszystkie linie wykreśla odręcznie, nie wykonując przy tym żadnych poprzedzających pracę szkiców koncepcyjnych. Zapełnianie liniami i kolorem płótna Tadasky traktuje jako formę medytacji, pracę nad swoimi kompozycjami porównując do procesu wznoszenia tradycyjnych kaplic shinto. Tak oceniał wpływ swoich młodzieńczych doświadczeń na późniejszą twórczość: „Dorastając, obserwowałem ludzi tworzących różne rzeczy i byłem tym zafascynowany. Spędzałem dużo czasu w fabryce, obserwując, jak budowane są kapliczki. Budowniczowie świątyń byli bardzo zręczni, ja natomiast zawsze byłem niezwykle ciekawski i zadawałem im mnóstwo pytań. Ponieważ byłem synem szefa, wyjaśniali mi tajemnice warsztatu, które w przypadku innych byłyby tematem tabu. (…) Zawsze lubiłem wyzwania i satysfakcję, jaką przynosi samodzielne wykonywanie rzeczy. Jako dziecko nie dostawałem żadnych zabawek, więc robiłem własne. W podstawówce wyrzeźbiłem z drewna masażer pleców i za swój wynalazek zdobyłem nagrodę. W gimnazjum zrobiłem zestaw do mahjonga z pięknie zdobionymi elementami. Przez całe życie robiłem bardzo różne rzeczy. Po przyjeździe do Stanów i założeniu rodziny często się przeprowadzałem – wykonywałem całe projekty nowo zasiedlonych loftów lub studiów, projektowałem i wykonywałem szafki, meble, cokolwiek potrzebowałem. Niezależnie od tego, czy maluję obrazy, czy składam szafki, to czynność mająca dla mnie tę samą energię.(…)
Ojciec wysłał mnie do bardzo rygorystycznej szkoły religijnej w Chibie. Nie miałem wyboru. Lubiłem chodzić na zajęcia plastyczne i malować obrazy. Ale w Japonii trzeba było przestrzegać wielu zasad, przede wszystkim trzeba było pracować w konwencji realistycznej, kopiować to, co widziałeś – jak za pomocą fotografii. Nie istniała abstrakcja. Nie wolno było używać linijki – trzeba było wszystko mierzyć na oko. Byliśmy obarczeni wielką presją, aby pracować według tradycyjnych metod – tak jak robili to ludzie przy budowaniu świątyń. Kapliczka ma specyficzną formę i nie wolno zmieniać jej struktury. Byłem jednym z najlepszych adeptów sztuki w szkole i dużo malowałem. Prowadziłem szkolne koło plastyczne i wykonywałem dekoracje do szkolnych przedstawień. W czasopismach zetknąłem się ze współczesną sztuką europejską i amerykańską, bardzo mnie zaciekawiła. Pomyślałem, że tam można malować, co się chce. Widziałem prace, które były symetryczne i geometryczne, i to mi się szalenie spodobało. Nigdy nie zetknąłem się z czymś takim w sztuce japońskiej. Mój nauczyciel plastyki był młody i dość liberalny. Wiedział, że nie lubię, jak ktoś mi mówi, jak mam malować, więc zostawiał mnie w spokoju. (…) Jako artysta uważam, że bardzo ważne jest tworzenie rzeczy wyjątkowych, różniących się od tego, co robią inni artyści. Jeśli widzę, że ktoś zrobił coś, o czym myślę, rezygnuję i szukam czegoś, czego nigdy wcześniej nie widziałem”.
Tadasuke Kuwayama, znany szerzej jako Tadasky, dorastał w miejscowości Nagoya w Japonii. Jego ojciec przez lata pracował jako budowniczy świątyń Shinto, co zawarzyło zarówno na twórczości malarza, jak i sposobie postrzegania sztuki i samego procesu tworzenia. Do Stanów Zjednoczonych po raz pierwszy przyjechał w 1961 roku. Wówczas rozpoczął studia artystyczne – początkowo w Art Students League w Nowym Jorku, a później w Brooklyn Museum of Art School. Od lat 60. Tadasky rozwijał swój własny, indywidualny język artystyczny w obrębie rodzącego się nurtu sztuki optycznej. Jego pierwsza indywidualna wystawa odbyła się w Kootz Gallery w Nowym Jorku w 1965 roku I w tym samym roku jego prace zostały zaprezentowane podczas słynnej ekspozycji The Responsive Eye w Museum of Modern Art. Nowojorska instytucja zakupiła do swojej stałej kolekcji dwa płótna Japończyka i od tego momentu jego kariera potoczyła się w zaskakująco szybkim tempie. Po wystawie Kinetic and Optic Art Today w Galerii Albright-Knox prace Tadasky’ego zaczęły być jednym z najbardziej pożądanych obiektów artystycznych w wielu prestiżowych, prywatnych I instytucjonalnych kolekcjach sztuki. Dziś jego koncentryczne, pulsujące wielobarwnymi liniami koła znajdują się między innymi w Baltimore Museum na Floridzie, Boca Raton Museum of Art, Lowe Art Museum na Uniwersytecie w Miami, Columbus Museum of Art w Massachusetts, Harvard Art Museums w Cambridge, Indianapolis Museum of Art, Krannert Art Museum na Uniwersytecie w Illinois, Museum of Fine Arts w Houston, University of Iowa Museum of Art, University of Virginia Art Museum, Yale University Art Gallery, Museo de Arte Contemporáneo w Buenos Aires oraz w licznych galeriach w Japonii.
Description:
"B-181 (Red, Green, Yellow and Blue)", 1964
acrylic/canvas, 120 x 120 cm; signed , dated and described on the reverse: '47" x 47" | #B 181 | 1964 | Tadasky', sticker from D. Wigmore Fine Art, Inc. on the reverse
Additional Charge Details
- In addition to the hammer price, the successful bidder agrees to pay us a buyer's premium on the hammer price of each lot sold. On all lots we charge 20 % of the hammer price.
- To this lot we apply 'artist's resale right' ('droit de suite') fee. Royalties are calculated using a sliding scale of percentages of the hammer price.
Opłaty:
- Do kwoty wylicytowanej doliczana jest opłata aukcyjna. Stanowi ona część końcowej ceny obiektu i wynosi 20%.
- Do kwoty wylicytowanej doliczona zostanie opłata z tytułu "droit de suite". Dla ceny wylicytowanej o równowartości do 50 000 EUR stawka opłaty wynosi 5%. Opłata ustalana jest przy zastosowaniu średniego kursu euro ogłoszonego przez NBP w dniu poprzedzającym dzień aukcji.
Prezentowana praca pochodzi z połowy lat 60. – okresu, w którym ukonstytuował się dojrzały styl Tadasky’ego – od zawsze interesowały go figury koncentryczne, pierwsze dynamiczne kompozycje z motywem koła powstały jeszcze w latach 50. w rodzinnej Japonii. Z czasem, wychodząc od form ekspresyjnych, doszedł do formy okręgu możliwie jak najbardziej klarownej pod względem technicznym. W założeniu artysty jego obrazy stanowią manifestację czystej formy – nie mają odnosić się do niczego innego poza sobą. Mimo spirytualnych konotacji – odniesień do formy mandali czy symboliki kręgu życia – Tadasky utrzymywał, że nie stoi za nimi żadna filozofia, teoria, religia czy ideologia, znaczenie mają dla niego jedynie czystość, prostota i piękno. Chociaż Tadasky uznawany jest za jednego z prekursorów zrodzonego w Stanach Zjednoczonych ruchu op-art, to jego twórczość, wyrosła na gruncie tradycyjnego rzemiosła, stanowi w rzeczywistości interesujące zderzenie kultury Wschodu i Zachodu.
W Japonii, w warsztacie ojca, Kuwayama zgłębiał tajniki„miyadaiku” – tradycyjnej techniki wznoszenia świątyń opartej na technicznej perfekcji i niepozbawionej kontemplacyjnego charakteru. Klasyczne kompozycje Tadasky’ego to barwne, koncentryczne kręgi. Artysta, używając tradycyjnych japońskich pędzli, nakłada cienką warstwę farby. Wszystkie linie wykreśla odręcznie, nie wykonując przy tym żadnych poprzedzających pracę szkiców koncepcyjnych. Zapełnianie liniami i kolorem płótna Tadasky traktuje jako formę medytacji, pracę nad swoimi kompozycjami porównując do procesu wznoszenia tradycyjnych kaplic shinto. Tak oceniał wpływ swoich młodzieńczych doświadczeń na późniejszą twórczość: „Dorastając, obserwowałem ludzi tworzących różne rzeczy i byłem tym zafascynowany. Spędzałem dużo czasu w fabryce, obserwując, jak budowane są kapliczki. Budowniczowie świątyń byli bardzo zręczni, ja natomiast zawsze byłem niezwykle ciekawski i zadawałem im mnóstwo pytań. Ponieważ byłem synem szefa, wyjaśniali mi tajemnice warsztatu, które w przypadku innych byłyby tematem tabu. (…) Zawsze lubiłem wyzwania i satysfakcję, jaką przynosi samodzielne wykonywanie rzeczy. Jako dziecko nie dostawałem żadnych zabawek, więc robiłem własne. W podstawówce wyrzeźbiłem z drewna masażer pleców i za swój wynalazek zdobyłem nagrodę. W gimnazjum zrobiłem zestaw do mahjonga z pięknie zdobionymi elementami. Przez całe życie robiłem bardzo różne rzeczy. Po przyjeździe do Stanów i założeniu rodziny często się przeprowadzałem – wykonywałem całe projekty nowo zasiedlonych loftów lub studiów, projektowałem i wykonywałem szafki, meble, cokolwiek potrzebowałem. Niezależnie od tego, czy maluję obrazy, czy składam szafki, to czynność mająca dla mnie tę samą energię.(…)
Ojciec wysłał mnie do bardzo rygorystycznej szkoły religijnej w Chibie. Nie miałem wyboru. Lubiłem chodzić na zajęcia plastyczne i malować obrazy. Ale w Japonii trzeba było przestrzegać wielu zasad, przede wszystkim trzeba było pracować w konwencji realistycznej, kopiować to, co widziałeś – jak za pomocą fotografii. Nie istniała abstrakcja. Nie wolno było używać linijki – trzeba było wszystko mierzyć na oko. Byliśmy obarczeni wielką presją, aby pracować według tradycyjnych metod – tak jak robili to ludzie przy budowaniu świątyń. Kapliczka ma specyficzną formę i nie wolno zmieniać jej struktury. Byłem jednym z najlepszych adeptów sztuki w szkole i dużo malowałem. Prowadziłem szkolne koło plastyczne i wykonywałem dekoracje do szkolnych przedstawień. W czasopismach zetknąłem się ze współczesną sztuką europejską i amerykańską, bardzo mnie zaciekawiła. Pomyślałem, że tam można malować, co się chce. Widziałem prace, które były symetryczne i geometryczne, i to mi się szalenie spodobało. Nigdy nie zetknąłem się z czymś takim w sztuce japońskiej. Mój nauczyciel plastyki był młody i dość liberalny. Wiedział, że nie lubię, jak ktoś mi mówi, jak mam malować, więc zostawiał mnie w spokoju. (…) Jako artysta uważam, że bardzo ważne jest tworzenie rzeczy wyjątkowych, różniących się od tego, co robią inni artyści. Jeśli widzę, że ktoś zrobił coś, o czym myślę, rezygnuję i szukam czegoś, czego nigdy wcześniej nie widziałem”.
Tadasuke Kuwayama, znany szerzej jako Tadasky, dorastał w miejscowości Nagoya w Japonii. Jego ojciec przez lata pracował jako budowniczy świątyń Shinto, co zawarzyło zarówno na twórczości malarza, jak i sposobie postrzegania sztuki i samego procesu tworzenia. Do Stanów Zjednoczonych po raz pierwszy przyjechał w 1961 roku. Wówczas rozpoczął studia artystyczne – początkowo w Art Students League w Nowym Jorku, a później w Brooklyn Museum of Art School. Od lat 60. Tadasky rozwijał swój własny, indywidualny język artystyczny w obrębie rodzącego się nurtu sztuki optycznej. Jego pierwsza indywidualna wystawa odbyła się w Kootz Gallery w Nowym Jorku w 1965 roku I w tym samym roku jego prace zostały zaprezentowane podczas słynnej ekspozycji The Responsive Eye w Museum of Modern Art. Nowojorska instytucja zakupiła do swojej stałej kolekcji dwa płótna Japończyka i od tego momentu jego kariera potoczyła się w zaskakująco szybkim tempie. Po wystawie Kinetic and Optic Art Today w Galerii Albright-Knox prace Tadasky’ego zaczęły być jednym z najbardziej pożądanych obiektów artystycznych w wielu prestiżowych, prywatnych I instytucjonalnych kolekcjach sztuki. Dziś jego koncentryczne, pulsujące wielobarwnymi liniami koła znajdują się między innymi w Baltimore Museum na Floridzie, Boca Raton Museum of Art, Lowe Art Museum na Uniwersytecie w Miami, Columbus Museum of Art w Massachusetts, Harvard Art Museums w Cambridge, Indianapolis Museum of Art, Krannert Art Museum na Uniwersytecie w Illinois, Museum of Fine Arts w Houston, University of Iowa Museum of Art, University of Virginia Art Museum, Yale University Art Gallery, Museo de Arte Contemporáneo w Buenos Aires oraz w licznych galeriach w Japonii.
Description:
"B-181 (Red, Green, Yellow and Blue)", 1964
acrylic/canvas, 120 x 120 cm; signed , dated and described on the reverse: '47" x 47" | #B 181 | 1964 | Tadasky', sticker from D. Wigmore Fine Art, Inc. on the reverse
Additional Charge Details
- In addition to the hammer price, the successful bidder agrees to pay us a buyer's premium on the hammer price of each lot sold. On all lots we charge 20 % of the hammer price.
- To this lot we apply 'artist's resale right' ('droit de suite') fee. Royalties are calculated using a sliding scale of percentages of the hammer price.
Technika
akryl/płótno
Sygnatura
sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: '47" x 47" | #B 181 | 1964 | Tadasky'
Proweniencja
D. Wigmore Fine Art, Inc., Nowy Jork; kolekcja prywatna, USA; kolekcja instytucjonalna, Polska
Wystawiany
„Tadasky: Control and Invention, 1964-2008”, D. Wigmore Fine Art, 7.02-25.04.2015;
